Origenes

El rastro más antiguo registrado del malabarismo es una pintura mural que adorna la decimoquinta tumba de la necrópolis principesca de Beni Hasan en Egipto. Dos mujeres extienden sus manos, con un objeto redondo en cada mano y un tercer objeto flotando en el aire por encima de ellas. Otra mujer aparece en una posición similar, pero con los brazos cruzados delante del pecho. Los egiptólogos señalan que el pelo de las mujeres está peinado en un estilo formal, lo que podría indicar que la escena forma parte de una suerte de ceremonia. Si bien no conocemos ni el nombre ni la función de la actividad, tenemos por lo menos aquí una prueba de la existencia del malabarismo alrededor de 2000 años a. C. Los siguientes documentos (estatuillas, pinturas sobre cerámica, frescos) remontan a la Antigua Grecia – unos 500 años antes de nuestra era – de Etruria y Roma. Todo indicaría que la manipulación experta de las pelotas era muy popular, pero no se conoce bien aún su función social.
Entre 500 y 1100 d. C., trovadores de Normandía comenzaron a formar pequeñas compañías de espectáculo itinerante. Tocaban música, cantaban, bailaban, contaban cuentos, presentaban trucos de magia o animales adiestrados y a veces también actos de lo que hoy se llamaría malabarismo. La palabra “malabarismo" designaba entonces el conjunto o alguna de estas actividades, y generalmente significaba “entretenimiento”. Desde el Renacimiento hasta mediados del siglo XIX, la palabra “malabarista” se utilizó principalmente como sinónimo de un escamoteador, charlatán² o incluso “hechicero”.

El nacimiento del circo moderno en 1768 marcó un hito crucial en la historia del malabarismo. Por primera vez, las diferentes habilidades de los artistas estaban claramente separadas: la acrobacia ecuestre, la danza sobre cuerda, etc. Completando inicialmente los ejercicios ecuestres, el malabarismo se autonomizó gradualmente. Una gran cantidad de actos emergieron con el advenimiento del espectáculo de variedades en Londres, a través de la inauguración en 1852 del Canterbury Hall por Charles Morton, quien incorporó varias expresiones artísticas en el programa del Music Hall.
La llegada a Europa, a partir de 1810, de compañías de artistas asiáticos acrecentaría este movimiento. Los primeros vinieron de la India, realizaban trucos de magia, encanto de serpientes, pero también practicaban malabares: girar anillos alrededor de las extremidades, lanzar objetos, manipular bolas de metal y palos del diablo. Fueron rápidamente seguidos por los chinos y los birmanos. Los japoneses llegaron en 1867, al final del período Edo, con técnicas de malabarismo completamente inéditas. Su estilo, y muy a menudo su vestuario, fueron ampliamente imitados por los malabaristas europeos.

Lo que estos artistas orientales y sus imitadores practicaban corresponde a la magia y al malabarismo, que no se identificaban aún como tales en aquella época. En 1885, el malabarista germano-británico Cinquevalli³ fue el primero en hablar públicamente de malabarismo, y en distinguirlo de la magia. Desde su punto de vista, el espectador debía ser capaz de medir el nivel de habilidad exigido por la ejecución de los trucos. Con este fin, usaba objetos cotidianos, familiares y actuaba luciendo ropas informales en lugar del vestuario exótico de moda de aquella época. El final del siglo XIX también marcó el triunfo del “malabarismo de restaurante”, una verdadera forma de teatro mudo, que ponía en escena, en el decorado de un restaurante elegante, a un gran número de artistas haciendo malabares con todos los objetos alrededor.

Con Paul Cinquevalli y los malabaristas, que desde ese entonces desarrollaron malabares en solitario, como el alemán Salerno (Adolf Behrend 1868-1946) o el estadounidense Kara (Michael Steiner 1867-1939), el malabarismo ganó en popularidad y autonomía, integrando naturalmente los programas de variedades y de circo. En la continuidad del estilo de Cinquevalli, pero llevando el virtuosismo a un nivel nunca visto, surgió aquel que los malabaristas de hoy en día aún consideran “el mayor malabarista de todos los tiempos”: el italiano Enrico Rastelli. (1896-1931). En los años 1920, Rastelli alcanzó un éxito enorme en Europa y en Estados Unidos – después del payaso Grock, fue el artista de circo mejor pago de su época. “El malabarismo Rastelli” pronto se convertiría en un nuevo modelo, abundantemente imitado: mientras que los malabaristas en solo trabajaron con objetos cotidianos heterogéneos, los nuevos malabaristas, como los estadounidenses Bob Ripa (Edvin Hansen 1913-1943), Serge Flash (Serguei Fomitcheff 1904-1956), la austríaca Trixie (Martha Firschke Larue 1920-2001) y la rusa Jenny Jaeger (1909-1986), siguiendo a Rastelli, utilizaron objetos del mismo tipo: bolas, platos y palos para hacer malabares y batir récords.

En 1931, año de la trágica desaparición de Rastelli a los 34 años, el artista Bela Kremo tuvo la idea de crear un número muy austero. Inspirado por Will “Mad Hatter” Cumin, eligió tres sombreros como accesorio, tres cajas de puros, tres pelotas, un bombín, un cigarro y dos guantes enrollados en una pelota. Y una silla. Su obra consistía en una secuencia de varias escenas con un fondo musical. Era el nacimiento de un nuevo estilo, en el que se ilustró en particular, el malabarista estadounidense Bobby May (Ludwig Theodore Mayer 1907-1981), adepto de un estilo de malabarismo minimalista, con pelotas blancas y mazas. Al mismo tiempo, surgieron los malabaristas humoristas tales como W. C. Fields (William Claude Dukenfield 1880-1948), Rich (Georgie) Hayes o Albert Rebla (Albert James Stevens 1880-1963), quien hasta los años 1930 puso en escena fabulosos fiascos.
Los años 1940 y 1950 estuvieron marcados por un avance estilístico decisivo: la coreografía, introducida por el malabarista alemán – más tarde naturalizado estadounidense – Francis Brunn (1922-2004). Después de una primera parte de recorrido siguiendo el estilo de Rastelli, Francis Brunn abandonó esta inspiración para crear un personaje sobrio, un bailarín de flamenco vestido de negro. Sus hazañas técnicas le valieron un gran éxito: dos aros girando alrededor de una pierna y otros dos alrededor del brazo, lanzando una pelota que rotaba en el dedo con una mano mientras que la otra mano hacía malabares con tres aros, y que su cabeza mantenía en equilibrio un pedestal, en donde giraba otro globo en equilibrio. Pero fue principalmente su trabajo sobre el movimiento del cuerpo que lo posiciona retrospectivamente como un precursor.

El 17 de junio de 1947, durante la reunión de la Cofradía Internacional de magos en Pittsburg en Pensilvania, ocho malabaristas participantes decidieron formar su propia asociación la “International Jugglers Association”. A partir de ese momento, se desarrolló gradualmente, en los Estados Unidos, una cultura del malabarismo de ocio “aficionado”. Y con ella, una nueva actitud abierta, muy diferente de la que existía entre los profesionales, celosos de sus secretos. En las convenciones de malabarismo, la idea de compartir comenzó a prevalecer y en particular, el intercambio de accesorios. Tres artículos estándar, variantes de los accesorios favoritos de Enrico Rastelli. Los palos cedieron su lugar a las mazas, los platos a los aros, es decir a objetos “intrínsecamente geométricos”, que implicaban tres exploraciones diferentes de lanzar-recoger: en el caso de la pelota, la rotación del objeto era mínima, en el caso del aro se trabajaba la rotación en un solo eje y con la maza, lo que importaba, era la rotación en el otro eje.
Pero otro fenómeno iba a tener una influencia crucial en el malabarismo: la política soviética del circo. La Revolución de 1917 había provocado el éxodo de muchas familias de circo europeas. Rusia contaba con cientos de circos en todo el país, pero con muy pocos artistas. La fundación de la Escuela del Arte del Circo en Moscú en 1927 tenía como objetivo principal resolver este problema. Poco a poco, se adoptaron métodos de enseñanza, fuertemente inspirados en los de la gimnasia y la danza clásica.

En 1962, N. E. Baumann publicó el primer manual de enseñanza de malabarismo, en el que el malabarista era presentado en las posiciones típicas del ballet. Las escuelas soviéticas también participaron significativamente en la estandarización de los objetos utilizados y en la difusión de modelos.